mation, der skubber til det faktiske rum og ideen om en lineær tid. I animationen ligger flodhesten alene i sit tomrum, helt roligt og fredfyldt i vandet, men hver gang den åbner munden, og viser sine store tænder, minder den os om, at den er aggressiv, dræbende farlig og vild. Flodhesten forestiller noget den ikke er -- den er er nemlig et resultat af tal i en computer. Koder skaber dens liv i en alternativ verden, der strækker sig ind i uendeligheden. Animationen er ikke bare en video, der vises i et loop, men er baseret på algoritmer, der producerer tilfældige udfald over tid. Værket kan derfor fortsætte uendeligt i både tid og rum – indtil softwaren går i stå eller hardwaren går i stykker. Den stedspecifikke installation agerer som bindeled mellem det fysiske rum og computer-animationens tekniske egenskaber. Den består af trapper, der strækker sig fra nuet, ind i fremtiden, ud gennem alternative tidslinjer. Tilsammen udgør de en undersøgelse af en virkelighed, hvor tid er flydende, uendelig og individuel.I forbindelse med udstillingen vil Galleri Image afholde symposiet Tid og Teknologi. Symposiet vil tage udgangspunkt i teknologiske udviklinger af blandt andet fotografiet omkring år 1900. Derfra vil der indledes samtaler om hvordan den teknologiske udvikling fortsat påvirker produktionen og forståelsen af  billeder. Ved symposiet undersøges dermed hvilke tanker og ideer der ligger i vores produktion og opfattelse af computergenererede billeder; hvilke tidslige og rumlige muligheder der opstår; og disse muligheders effekt på vores nuværende oplevelse af tid og rum. Datoen vil blive annonceret på vores hjemmeside.Om kunstneren Rebecca Krasnik (f. 1987) er en dansk billedkunstner, som bor og arbejder i København. Hun har en MFA i Photography, Video and Related Media fra School of Visual Arts, New York City, USA. Krasnik har udstillet sin kunst i blandt andet New York, London og København. Hendes udstilling på Galleri Image er hendes første soloudstilling i Aarhus.Læs mere på kunstnerens egen hjemmeside: www.rebeccakrasnik.info Udstillingen er støttet af Statens Kunstfond, Kulturudviklingspuljen (Aarhus kommune) A.P. Møller Fonden, William Demant Fonden og Augustinus Fonden.

er også undvigende og skiftende. Gennem de dobbelte processer som er undersøgelsen af farve- og følelsesgradueringer, følger Schorr de flygtige refleksioner af lys og stemning i vand. Hvordan bevarer vi denne ressource for kommende generationer?Når man træder ned i vand, om end overfladen er mat eller klar, træder man både ned i en fysisk passage og på en metafysisk sti. Punktet for denne indtrængen skaber overfladespænding. Et skift i trykket medfører en rystende væske som gennemtrænges. Luften reduceres og forsvinder. Lyd ændrer sig; musik bliver forvrænget og forandret. Fra sølv til sort til smaragdgrøn: vand er sjældent bare blåt. Nogle gange er havet en buldrende rød, farvet af dybhavsalger. Disse overgange åbner op for en ny refleksiv proces, opfordrer til overvejelser omkring opmærksomhed, kropslighed og bevægelighed i vores mediemættede samfund. Schorrs arbejde svarer ikke på det retoriske spørgsmål: Hvad er farven på vand? I stedet er projektet en invitation til at engagere sig i en undersøgende og overvejende proces.The Color of Water tager afsæt i Schorrs egen introduktion til vinterbadning nær Aarhus. Her fandt hun sig selv draget gang på gang af Ballehage Strand igennem skiftende sæsoner. Dermed påbegyndtes en fotografisk undersøgelse af vand og de refleksive processer det sætter i gang. The Color of Water består af sammenvævede værker af Sarah Schorr: Osmosis, Riptide og Ephemeral Metallics. I forbindelse med udstillingen arrangeres et seminar og en række workshops, herunder Schorrs M.I.N.T workshop for unge, der inviterer deltagerne til at gå ned i gear for at opleve naturen, og den interaktive performance Water(Color÷Code), som undersøger farvens subjektive natur, billedets permeabilitet og vores egen subtile accept af den gennemtrængende digitalisering af vores oplevelser. Water(Color÷Code) er udviklet I samarbejde med Gabriel Pereira og Carlos Oliveira. Udstillingen består desuden af The Color of Water: Algorithmic Sea, et værk og en performance udarbejdet i samarbejde Gabriel Pereira and Carlos Oliveira.Om kunstneren:  Sarah Schorr er en amerikansk fotograf, forsker, og underviser. Hun har en MFA i fotografi fra The School of Visual Arts i New York og en Ph.d. i sociale praksisser omkring fotografi og sociale medier fra Aarhus Universitet. Hendes værker har været udstillet på internationalt anerkendte udstillingssteder som Yancey Richardson Galleri og Scalo Project Space i New York. I 2020 blev Schorrs værker tildelt Julia Margaret Cameron prisen for kvindelige fotografer. Schorr bor og arbejder (og svømmer) i Aarhus. Læs mere på kunstnerens egen hjemmeside: sarahschorr.comUdstillingen er støttet af Statens Kunstfond, Kulturudviklingspuljen, A.P. Møller Fonden, William Demant Fonden og Augustinus Fonden.

n personlig dagbog. Lag fra et obskurt rum, som omhandler hvad hvad vi består af. Formodede udspil, som ikke ønsker at genskabe virkeligheden, men snarere hvordan det forunderlige møde mellem det synlige og det usynlige bliver til. Repræsentationer bag repræsentationer, immobile figurer, eller i en næsten umærkbar gestus, uidentificerede, ekspressive kroppe, intentioner. Næsten alle fotografierne dannes af mørket, viser mennesker, dyr, natur, eller små nuancer af (kaotisk) civilization. Værkernes tekstur i det alternative rum mellem jord og tjære, græs og cement. Scenariet hvor objekter og dyr kommer frem, giver værkerne en mærkværdig aura. Vi fordyber os i forfatterens verden, en rejse gennem billeder som bringer sammen, separerer, og forvirrer følelserne: Intet er lineært. I det frosne billede forsvinder vi en sky af muligheder.Om kunstnerenHelena Gonçalves (f. 1978) er en portugisisk fotografisk kunstner som bor og arbejder i Portimão. Gennem hendes karriere har hun arbejdet med iscenesatte rum, der både har været opbyggede og virkelige, med lang eksponering, der peger lyset mod dele af billedets scener. Hendes fotografi præsenterer de mærkværdige øjeblikke mellem det synlige og det usynlige -- lys der males på et sort lærrede. Resultatet er dele af en underverden, et nyt lag af vores virkelighed. Hendes værker er blevet udstillet i en række gallerier, festivaler og udstillingssteder i Portugal, Frankrig, Italien, Spanien, Tjekkiet, m.fl. Hun er medstifter af Black Box Atelier og underviser ved Ar.Co., Atelier de Lisboa og Etic. Siden 2000 har hun desuden været fotograf for teatergruppen Útero. Raiz blev først udstillet i 2018 i Antiga Gráfica Alvalade, Lissabon. Udstillingen er Helena Gonçalves’ første i Danmark. Udstillingen er støttet af Statens Kunstfond.

gens hovedpersoner er filminstruktør, forfatter og samfundsdebattør Pier Paolo Pasolini og cubansk-amerikansk kunstner Ana Mendieta, som begge led en voldelig død under mistænkelige omstændigheder i henholdsvis 1975 og 1985.Pasolini er bedst kendt for sin film "Saló, o le 120 giornete di Sodoma", og Medieta for sine "earth-body" værker. Selvom udstillingens to hovedpersoner aldrig mødte hinanden forbinder Peter Brandt dem, ikke blot gennem deres død, men også deres praksis, der ofte behandlede vold og kropslighed. Baseret på omfattende research i Rom, Ostia, Bologna, Carsarsa og New York, vil udstillingen undersøge forbindelsen mellem et steds historie eller udtryk og den vold der er begået der. Brandt producerer nye værker til udstillingen, der vil benytte sig af performative greb, arkivmateriale, tekst, foto, video og tekstilværker.I forbindelse med udstillingen arrangeres en performance med Peter Brandt samt et seminar. Om kunstnerenPeter Brandt (f. 1966) er dansk billedkunstner uddannet på Det Kongelige Danske Kunstakademi i København og Kungliga Konsthögskolan i Stockholm. I sin praksis benytter han sig især af feministiske strategier og sin egen krop, og referer ofte til andre kunstnere. Han bor og arbejder i København. 

g paneldiskussioner stiller PWA skarpt på fotobogens rolle og udvikling igennem tiden, og festivalen er på mange måder blevet et særligt samlingspunkt - en 'fotobogens tænketank' - som er bredt anerkendt for dets atmosfære og ånd.  Efter at have undersøgt temaerne Fladhed (2019) og Serialitet (2020), vil dette års udgave af Photobook Week Aarhus fokusere på Bevægelse og Overgange. Programmet for PWA 2021 favner således alt fra samtidstematikker som migration, globalisering og postkolonialisme til kunstbevægelserne Dada og Fluxus.I samarbejde med PWAs store netværk af danske og internationale museer og biblioteker, vil vi i år udvide vores udstillinger med kunstobjekter, historiske rejseguides og regnskabsbøger, der vil blive udstillet side om side med kunst- og fotobøger. Vi ser festivalen som en begivenhed, der understreger bibliotekets relevans som et rum for kontemplation, koncentration og kreativitet, hvor bogen kan skifte mellem at være en kilde til viden og en materiel støtte for kunstnerisk praksis. I år vil vi særligt sætte fokus på fotobogens produktion i lande så som Grønland, Caribien og Kaukasusregionen. Læs mere om Photobook Week Aarhus på http://photobookweek.org/ eller følg med på Facebook og Instagram for løbende informationer og updates. ---------------------------------------------------------------------------------------------------------------- Galleri Image stiftede Photobook Week Aarhus i 2014, og har siden samarbejdet med Arkitektskolen Aarhus om at organisere festivalen. PWA fokuserer på den voksende internationale interesse for fotobøger og repræsenterer en løbende undersøgelse af mediets rolle og udvikling. Photobook Week Aarhus formidler til den brede offentlighed såvel som til de, der arbejder professionelt med fotobogen og fotografiet - uanset om de gør det fra et kunstnerisk, formidlingsmæssigt eller akademisk udgangspunkt. Brugerinddragelse, åbenhed og dialog er nøgleord i henhold til festivalens form og indhold, og Photobook Week Aarhus har derfor altid lagt stor vægt på at invitere en lang række udstillere og oplægsholdere, der kan formidle fotobogen i et tværfagligt perspektiv. Det har således været muligt at udstille vigtige men svært tilgængelige fotobøger, som er blevet diskuteret af internationale og nordiske fotoforskere, fotografer, ledende kuratorer, arkitekter og mange andre kvalificerede bidragsydere.

e bog "Keepers of the Ocean"), mødes med arkivprojeket ”Mirrored - Portraits of Good Hope”, hvor han har fundet fotos fra perioden 1889-1935 af Grønlands første fotograf, John "Ujuut" Møller.For Inuuteq Storch er udstillingens to værkgrupper en del af et større arbejde med at sætte et nyt fokus på grønlandsk selvfremstilling og postkolonial bevidsthed om national stolthed og identitet. Udstillingen bringer de to grønlandske fotografers værker sammen hen over et spænd på mere end 100 år, og udforsker stedsidentitetens udvikling set fra folkets eget perspektiv.Inuuteq Storch er vokset op i Grønland, hvor landskabet og vejret er dominerende og hvor naturen bestemmer livets rytme. Men de historier, som fortælles om livet i dette landskab, har traditionelt været præget af danske rejsende og deres blik på naturen og folket. I Storchs kunstneriske arbejde søger han efter sin og andre grønlænderes egne visuelle fortælling: Hvordan ser billederne ud, når de kommer indefra og ikke udefra?I forbindelse med udstillingen arrangeres et symposium om grønlandsk identitet og kultur, hvor en række akademikere og kulturaktører vil deltage. En af de bekræftede foredragsholdere er den anerkendte forfatter Niviaq Korneliussen, der med sine anmelderroste romaner har forankret sig som en helt afgørende fornyende stemme i grønlandsk litteratur. Den grønlandsk-lettiske billedkunstner Bolatta Silis-Høegh, som bl.a. kuraterede udstillingen I vores levetid – Ny kunst fra Grønland, der inkluderede værker af Inuuteq Storch, vil også tage del i symposiet. Om kunstnerenInuuteq Storch er kunstfotograf og er uddannet på International Center of Photography i New York og fra fotoskolen Fatamorgana i Danmark. Han har udstillet i Grønland, Danmark, USA, Norge og Columbia, og har udgivet fotobøgerne "Porcelain Souls" og "Flesh".